Luke Caulfield .- Asynchronous Software
23/May/2015 - 25/Jul/2015
Asynchronous Software es el título de la primera exposición del artista LUKE CAULFIELD en España, un proyecto que tiene como punto de partida una de las más prominentes obras de arte españolas del siglo XX.
El trabajo de LUKE CAULFIELD se ha centrado durante muchos años en cómo los acontecimientos cotidianos inciden en la vida de las obras de arte y cómo estos objetos artísticos desencadenan a su vez diferentes sucesos a lo largo del tiempo. Este interés le llevó a fijarse en el bombardeo del Museo del Prado en 1936 y en la única obra dañada en ese episodio: un pequeño friso de mármol renacentista. Al observar el friso, el artista se percató que tenía paralelismos visuales sorprendentes con el Guernica de Picasso. Caulfield supo más tarde que Picasso era director del Prado en esa fecha, de modo que debió conocer lo sucedido a pesar de que vivía por entonces en París. Después de investigar cientos de periódicos franceses se encontró con una imagen del friso dañado en la portada del periódico favorito de Picasso, L’Humanite, de febrero de 1937. Picasso era conocido por ser un devoto lector de L’Humanite, lo que implica que casi con toda seguridad habría conocido éste suceso semanas antes de haber sido comisionado por el gobierno legítimo de la República Española para realizar el mural de la Exposición de París, trabajo que posteriormente y tras el bombardeo de la ciudad de Guernica, se convertiría en la obra que hoy conocemos. Esta tentadora conexión intrigó a Caulfield, por lo que solicitó y obtuvo permiso para fotografiar el friso que está guardado en una de las salas de almacenamiento del Museo. El trabajo resultante consiste en una versión del friso como estaba en 1912 (la última vez que fue fotografiado antes del bombardeo) y una versión transformada; ambos realizados a través de la escultura digital: impresión en 3D y animación digital. Este trabajo, que se muestra por primera vez en público, es el inicio y el eje de la exposición en ESPACIO MÍNIMO.
Algunas de la pinturas que completan la exposición pretenden reflejar posibles experiencias vividas por los que en aquella ocasión huyeron del Museo del Prado intentando salvar las obras que se custodiaban en su interior. En el caso de la pintura a partir del Dos de Mayo de Goya, por ejemplo, Caulfield ha destacado los daños de un balcón bombardeado durante la huída. Imagina estas pinturas como forma de absorber el miedo de aquellos que transportaron los tesoros del Prado fuera de Madrid. Al mismo tiempo, Caulfield los titula como “documentos” de otros artistas más contemporáneos, lo que permite a su trabajo actuar como un disparador de la memoria y la activación de diferentes momentos de la historia de forma simultánea.
La utilización que Caulfield hace de la Historia del Arte en su trabajo se convierte en una estrategia para tratar de evitar su propia autoría y jugar con la idea de que él no puede estar haciendo una obra de arte por sí mismo, que tan sólo realiza una “documentación” de las obras de otros artistas. Durante su proceso de trabajo el artista se pregunta si su objetivo está condenado al fracaso porque ve la obra a ser documentada como un blanco móvil que cambia con el tiempo y según los diferentes ambientes o condiciones culturales. Por supuesto, la materialidad y la escala de la obra original también son difíciles de percibir a través de este proceso. El artista asume estos retos y, por ejemplo, elige para documentar por medio de la pintura al óleo una obra invisible desde la década de 1960, en este caso una performance de la que sólo quedan imágenes fotográficas.
En su proceso de trabajo, la imagen a documentar es manipulada digitalmente de forma primitiva, lo que permite que se produzcan “accidentes” digitales, y a continuación hace un dibujo digital para facilitar una proyección sobre lienzo como un medio de copia de esa imagen. Este dibujo digital está destinado inicialmente a ser un mapa útil para realizar la pintura, un subproducto del proceso pictórico, pero como subproducto es también una pintura en sí misma y por lo tanto crea junto a la primera un díptico. Retóricamente, con esta acción el artista se pregunta si la intención es más importante que el resultado o viceversa.
El uso no jerárquico de las técnicas y los lenguajes visuales que utiliza los trasciende. Por ejemplo, las pinturas al óleo se convierten en algo que puede ser percibido como algo totalmente distinto de la obra que documenta. El resultado es una mayor libertad estilística, algo semejante a lo que se consigue en el teatro mediante el uso de las técnicas de alienación brechtianas .
Caulfield, en su trabajo, se enfrenta a las predisposiciones estéticas del espectador, el valor de la originalidad, la imposibilidad de la repetición, la fiabilidad digital/manual y las expectativas temporales.
LUKE CAULFIELD (Londres, 1969) es licenciado desde 2000 por la Slade School de Bellas Artes de la Universidad de Londres donde vive y trabaja actualmente. Ha expuesto en galerías y espacios institucionales como Daelim Contemporary Art Museum de Seoul, Le Musée de Marrakech en Marruecos, Northern Gallery for Contemporary Art de Sunderland, Rogaland Kunstsenter en Noruega, Kelvingrove Museum de Glasgow, Oriel Mostyn Gallery de Llandudno, Gales, Angel Row Gallery en Nottingham, Laing Art Gallery de Newcastle, Cornerhouse Gallery de Manchester o Sotheby’s en Londres. Los premios recibidos incluyen la Abbey Fellowship de Roma, Cocheme Fellowship, residencia AIR, Arts Foundation Fellowship shortlist, Natwest Art Prize, Mostyn Open y el John Moores. Está representado, entre otras, en las colecciones de Anita Zabludowicz, Paul Smith, Alan Cristea, Vanessa Branson, Nelson Woo, Prue O’Day, Christian Shin, Carolina Botín y Glazo Smith Kline. Su obra ha sido reseñada en distintas publicaciones como Breaking Down the Barriers (Richard Cork), New Gothic Art (Francesca Gavin), The Times, The Telegraph, The Independent, The Guardian, Sunday Times, Sunday Telegraph, Independent on Sunday, Financial Times, Vogue, Art Review, Dazed and Confused, Tatler, Pop Magazine, Contemporary magazine y Le Journal des Artes.
